miércoles, 14 de septiembre de 2022

NOBLE - Procesos artesanales




                   


Objetos de diseño 

de lo ancestral a lo actual 

“Arquitectos, escultores, pintores, debemos regresar al trabajo manual... Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a las clases sociales y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas” 

Walter Gropius 

Bajo el ritmo que marcan estos tiempos convulsionados celebramos la forma como recientemente hemos ido recuperando dentro de nuestros estilos de vida el aprecio por aquellos objetos que hacen parte de nuestro habitar, de nuestros espacios cotidianos e íntimos ligados estrechamente al simple ser y hacer humano. En estos objetos y en el diseño de todos sus procesos resalta un hecho singular y es el hacer con las manos, es este un signo que recupera y comienza a revertir el sentido que tienen las cosas en la vida del individuo de una manera genuina y sencilla donde justamente revaloriza y reajusta el estilo de vida contemporánea. 

El ritmo marcado por tendencias propias de un sistema de mercado dominante donde factores como la publicidad mayormente han venido dictando nuestras formas de vida y las grandes firmas del diseño imbuidas dentro del juego de la competencia comercial no logran otra cosa distinta a la creación de estándares y producción en serie que atiene a las demandas y cambios propios de esta sociedad globalizada desmesurada en sus hábitos de consumo, nos ha conducido a una alarmante situación planetaria donde la escasez de recursos naturales elementales no solo se encuentran en peligro de desaparecer gracias a su ilimitado y desacertado uso por solo mencionar alguno, sino que nos introduce dentro de una galopante contaminación y agotamiento de nuestros recursos naturales cayendo en una especie de ciclo pernicioso in crescendo del cual hemos sido arte y parte. 

Vivimos entonces tiempos donde toca reflexionar y el dejar de mirar hacia otra parte adquiere importancia. Una vez conscientes de la comprobación silente e individual que día a día nos perturba al percibir década tras década como hemos venido haciendo las cosas bastante mal, cuesta adoptar y poner cara a la responsabilidad individual en el cambio de patrones, despojándonos así́ de esa idea ingenua de apostar por soluciones caídas del cielo y plantearnos una manera más directa y optimista. 

Plantearnos para la creación de objetos básicos una forma más acertada y para ello la línea es sensibilizarnos dentro de nuestros escenarios, llamar la atención, re aprender generar esa otra manera más clara de hacer las cosas y dirigirnos en dirección contraria donde la globalidad constituya un cambio, la sumatoria de individualidades conscientes y responsables en el cuido del planeta y el uso de los recursos naturales y de lo que podamos hacer con ellos. 

Llama la atención y es digno de celebrar entonces como desde este universo del diseño de objetos de uso cotidiano comienzan a establecerse y crear espacios para un acercamiento hacia lo humano. Esa reeducación de la sensibilidad y respeto por la producción única cada vez más apegada a principios éticos lejos de lo masivo y tecnológico revirtiendo el mecanismo de la deshumanización donde veníamos cabalgando. En este sentido el trabajo y el hacer del diseño adquiere una relevante dimensión. 

El trabajo creativo del diseñador contemporáneo propone resolver en su propuesta el diseño de objetos y piezas únicas de manera asertiva en el uso y escogencia de las materias primas, materiales nobles y en sus propios procesos de fabricación y por supuesto talento e innovación estética para crear con absoluta libertad productos de elevadísima calidad. Esta combinación de factores se hace indispensable para transitar y abrir nuevas vías, nuevos hábitos y procesos. 

Otro esquema de valoración gestado a partir de nuevos planteamientos y trabajos que atienden hacia lo natural y humano, objetos a ser valorados en su verdadera dimensión en una sociedad que comienza a ser capaz de generar cambios en pro de aportar granos de arena ante problemas gigantescos heredados por era industrial y tecnológica.

Estas propiedades las encontramos de manera magistral en este grupo de diseñadores reunidos bajo la propuesta denominada NOBLE. Ante la necesidad de crear productos que combinan de forma genuina, auténtica y alto nivel de diseño contemporáneo color, gráfica, texturas, esencia material donde menos es más. 

Elementos naturales como el granito, la madera, la arcilla, el metal son los materiales protagonistas seleccionados en la realización de sus piezas puestas al servicio de actividades humanas esenciales como lo son habitar, alimentarse, descansar, trabajar, iluminarnos. 

Presentes en este espacio de dimensiones mínimas convivirán fusionados por estas semanas los resultados del estudio e investigación maravillosos y variados objetos de singular diseño, materiales y técnicas ancestrales los trabajos de Ricardo Salazar, Ivoly Noguera, Carlos Anzola y Héctor Valecillos 

Mesas, topes, vajillas, sillas, lámparas conforman el set ideal de rescate a la deshumanización y acercamiento a lo hecho a mano productos de estos creadores de merecida y genuina valoración artística. 

MATILDE SÁNCHEZ Agosto 2022 



NOBLE procesos artesanales muestra las respuesta de diversos trabajos de investigación y la experiencia particular de cada uno de estos diseñadores, donde el factor común converge entre la innovación , conciencia plena por el uso de los materiales y técnicas con productos realizados bajo estilos propios a ser incorporados en nuestros habitat. Estos objetos utilitarios invitan y estimulan el cambio para insertarlos en nuestros ambientes y formas de vida de manera original,revalorizando y reinterpretando el concepto de objetos bellos y donde además se propone sin aspavientos la adopción de un estilo de vida cada vez más sostenible. 

El diseño como parte de la vida Hacer más y mejor con menos desde lo creativo nos conduce a la creación en general de una postura sustentable que contribuye a la mejora de situaciones globales aparentemente distantes y que sin embargo desde nuestros particulares y pequeños espacios de acción podremos lograr sumarnos a objetivos positivos de mayor alcance. Una de estas por sólo mencionar alguna es aplicar disciplinas como la Regla de las 3 erres, Reducir, Reutilizar y Reciclar. 

Carlos Anzola @carlos.anzola 

Bajo algunas de las premisas delas 3 erres, en el caso del trabajo de Carlos Anzola atiende en sus Totem Lumínicos a “esa pasión recolectora con criterio compositivo plástico y pericia arquitectónica” el reciclaje de piezas de carroceria de vehículos pasados de moda, conocidos popularmente y en argot local como catanares. El plus poético de sus objetos se encuentra presente en la extraordinaria y sutil ambientación que genera el delicado matiz y calidez de la luminosidad que desprende y ofrecen la composición realizada con los corpus reutilizados y transformados en particulares objetos de diseño con personalidad propia. 

Ivoly Noguera @central_dada

Fusión de técnicas ancestrales con lo contemporáneo valorar lo hecho a mano con materiales de la naturaleza como la arcilla es el resultado de estas piezas propuestas por Ivoly en la fabricación de estas exclusivas vajillas. Texturas, color, formas alegóricas uso y función, todo al encuentro de cada bocado, cada sorbo, cada gesto de una manera cada vez más hermosa ,genuina y sencilla nos permite imaginar y reconciliar esa idea del hacer ancestral con el hombre primitivo en su esencia de lo humano y lo divino.En ello consiste la genialidad y exaltación de estos elegantes objetos de diseño. 

Ricardo Salazar @rroka.design

Cruzar los bordes entre el diseño y el el arte, derribar la pugna entre este y la artesanía, acercarnos a lo hecho a mano con materiales derivados de piedras como el granito encuentra sitio en la nobleza al producir objetos de uso cotidiano con alto estandares de diseño. El proceso de elaboración tal y como lo expresa Ricardo Salazar ”El cemento pigmentado se convierte en una sustancia flexible capaz de responder con sus virtudes a todas las exigencias y aplicaciones de uso que se le quieran dar” y es justamente allí en la flexibilidad de conceptos donde el arte se transforma instalandose en cada una de estas extraordinarias piezas. 

Héctor Valecillos  @blocoburo

La propuesta de combinar la madera como materia prima aunado a una línea de diseño singular como la que apreciamos en Butaco, donde se nos ofrece un producto de gran pureza y versatilidad. “Desde el punto de vista del diseño, su “corona” conjuga el coqueteo de un elemento cinético con la ergonomía necesaria para un objeto con un uso tan definido”. La creatividad al servicio de objetos utilitarios nos permite disfrutar en nuestros espacios de muebles de altísimo nivel en el diseño y hacernos parte de esa invitación constante a revalorizar y recuperar la extraordinaria calidad de lo Hecho en Venezuela. 






martes, 6 de noviembre de 2018

AlaraKa... un confín transitorio... - Pedro Tagliafico



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Es borrosa la añoranza 
de la muerte o de la vida 
pues larga es
incluso cuando se acorta o se dilata 
más de lo previsto.
De “Aguafuerte del reino”, Joaquín Marta Sosa


La muerte es algo natural, no obstante, se presenta como una agresión, un asalto, una irrupción. Para el antropólogo francés Louis-Vincent Thomas, la muerte se percibe como “un accidente arbitrario y brutal que nos toma desprevenidos”. La sociedad occidental, siendo mortal, rechaza la muerte, la oculta, la escamotea, la considera obscena y escandalosa.

“Ser temporal es ser a la vez para la muerte y tener aún tiempo, ser contra la muerte”, como lo señala el filósofo judío Emmanuel Levinas. La inminencia de la muerte, a la vez que apresa, deja espacio para enfrentarla. La espera, entonces, nos fortalece. 

AlaraKa es una exposición centrada en la idea de la muerte, que busca hacerla más cotidiana, menos extraordinaria. Asimismo, es una manera de circunscribir la finitud, limitarla en un marco. Matar la obra de arte, prescindir de ésta, desaparecerla, le permite a Pedro Tagliafico establecer resistencia ante su propia muerte, que avizora posible y cercana. El artista, cada vez con más frecuencia, la convoca e invoca en sus conversaciones refiriéndose continuamente a su desaparición física o a la de sus afectos. Sin embargo, no puede saber cuándo llegará su turno. Es una amenaza que se acerca a él inefable.
Su obra es analítica, metódica, ordenada; es piel, materia, un cuerpo vivo. Desprenderse de ella se ha convertido en irreverencia, gozo, desparpajo, pero también es una forma de volverla trascendente, de contemporaneizarla, convirtiendo lo constructivista en conceptual, la ausencia en presencia, la nada en todo.

El momento es propicio para convocar a sus amigos, vivos y muertos, y hacerlos cómplices de sus miedos, dudas y certezas a través de una muestra-acción que los proyecta al infinito. De este modo, Kazimir Malévich, Josef Albers, Anni Albers, Donald Judd, Walter De Maria, Eduardo Ramírez Villamizar, Manolo Vellojín, Mercedes Pardo, entre otros, son retomados y resucitados para convivir, transmutar y morir junto a las obras de Valerie Brathwaite, Carmen Herrera, José Antonio Fernández, Alberto Asprino, Dulce Gómez, Luis Lares, Carlos Medina, Esperanza Villarino,  Leonardo Villarino, Isabel Cisneros, Marylee Coll, Carlos Anzola y del propio Tagliafico. 
Mas, al final, el arte es vida, por ello mientras Pedro Tagliafico viva y cree, viviremos todos. 

Larissa Hernández

domingo, 8 de abril de 2018

Inauguración exposición DUPLA de los artistas Lubeshka Suárez y Francisco Martínez




Galería 39

Tiene el agrado de invitarle
a la Exposición



“dupla”

íconos · pareidolias



De los artistas


Lubeshka Suárez 
y
Francisco Martínez



SÁBADO 14 DE ABRIL, 2018
4 P.M.



Directores:
Luisa Elena Sánchez
Carolina Toro
-
Galería 39
Calle Bolívar con Calle Instrucción. Quinta La Casona. No. 37. El Hatillo.
Teléfono: 0212 - 9610023. 39galeria@gmail.com

Horario:
Miércoles a viernes - 12am - 5:00pm
Sábados y domingos - 12pm - 4pm



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El acto de crear implica, entre otras cosas, hacer introspección desde el silencio mismo, refugiarse para buscar liberar todo aquello que se lleva por dentro gracias a la experiencia del vivir. Lubeshka Suárez y Francisco Martínez así lo han entendido, yendo más allá de la relación cotidiana que los abraza y los une. Tarea nada fácil, considerando ese carácter individual que cada uno ha buscado en su trabajo creativo, tanto a nivel conceptual como de orden estético. Ambos exploran el espacio, lo desdibujan, lo reinterpretan, logrando sorpresivamente ese diálogo cercano y sensible que los identifica y distingue. La mirada fotográfica de Lubeshka traspasa la barrera documental, para recrear una suerte de paisaje o visión existencial, que nos permite realizar ese viaje reflexivo que tanto demanda la fotografía contemporánea. Francisco por su parte, se sumerge en su propio espacio imaginario, para delinear desde el plano ese sentir volumétrico, que como huella material imprime y configura. Ambos sin proponérselo hacen “dupla”, permitiéndose, por qué no, fortalecerse y retratarse entre ellos mismos. Dupla, espacio, plano, paisaje, tránsito, materia, instancia, refugio, arquitectura, diálogo, cotidianidad, convivencia, vivir. Alberto Asprino Abril 2018


lunes, 2 de octubre de 2017

Inauguración de la exposición ¨TRÁNSITO¨ del artista Carlos Anzola




Siempre he reconocido en el trabajo de Carlos Anzola su interés en hacer evidente la capacidad que tienen los objetos de resistir a los embates del tiempo y ennoblecer la topología que los recubre, haciéndolos un hecho pictórico. Hay una reiteración de la huella, de las hendiduras en las imágenes, de las cicatrices, y en sí mismo, de la repetición.

En su plástica aglomerada, acumula contenidos emocionales garantes de la memoria en un viaje hacia sí mismo. Él atesora en sus obras afectividades a través de imágenes en desecho y con traducciones entre objetos corroídos de tantas memorias; así es como aparecen en Tránsito esas tres fotografías anónimas de la Guaira, una única y la otra doble, que se redimen desde lo íntimo dejando perdurar en el tiempo su mismo desgaste.

En el trabajo de Anzola, no habría nada quieto, y ni siquiera aún, afectos ni patrimonios cristalizados. Una reverberación del sucio, de lo oxidado y la nostalgia, lo que aparénteme ha perdido color.

Septiembre, 2017
Gerardo Rojas

lunes, 27 de marzo de 2017

¨Desde tan lejos¨ de Gabriela Benatar


Galería 39

Tiene el agrado de invitarle
a la Exposición


“DESDE TAN LEJOS”

de 

GABRIELA BENATAR

y

en la sala alternativa nos acompañará
el artista 

CARLOS QINTANA

Con su muestra

¨FORYOUMYCOMEJEN¨ 
  

SÁBADO 1 DE ABRIL, 2017
4 P.M.








Director:
Luisa Elena Sánchez
Asistente:
Carolina Toro
-
Galería 39
Calle Bolívar con Calle Instrucción. Quinta La Casona. No. 37. El Hatillo.
Teléfono: 9610023. Fax: 9613692. 39galeria@gmail.com

Horario:
Miércoles a viernes – 1pm - 5:30pm
Sábados y domingos - 12m - 4pm


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Gabriela Benatar muestra sus ilustraciones en la Galería 39


La ilustradora venezolana Gabriela Benatar mostrará su trabajo en una exposición titulada “Desde tan lejos”, que será inaugurada el sábado 1° de abril a las 4 p.m., en la Galería 39 de El Hatillo, donde podrá ser visitada hasta el sábado 6 de mayo.

Amante de la naturaleza y de los deportes extremos –en especial del surf, su principal fuente de inspiración– Gabriela Benatar presentará en esta muestra un conjunto de piezas donde recrea “los lugares que quiere ser y los colores que quiere ver”, según sus propias palabras. Define el arte como meditación y utiliza diferentes técnicas y materiales como acrílico, marcadores y acuarelas.

Entre los artistas que la inspiran se incluyen su madre, Nadia Benatar, así como también Erik Abel, Alex Krastev, Morgan Maassen, Carlos Cruz-Diez, Pájaro, Juan Manuel Hernández, entre otros.

Nacida en Caracas, Gaby comenzó a pintar a los 14 años de edad, y desde entonces ha desarrollado su carrera en torno a la ilustración. Estudió en el Instituto de Diseño de Caracas en Venezuela y continuó trabajando en algunas de sus técnicas en la Boca Art School de Florida, en Estados Unidos, donde tomó cursos de escultura, acrílico y mandalas.

Ha plasmado su arte en cascos de motocicleta, monopatines, aletas de tablas de surf, un avión, y en dos murales de mandala en Wynwood, Miami (Estados Unidos), estos dos últimos trabajos en colaboración con el artista venezolano Flix.

La obra de esta joven artista podrá ser apreciada del 1° de abril al 6 de mayo  en la Galería 39, ubicada en la calle Bolívar con calle Instrucción, Quinta La Casona, N° 37, urbanización El Hatillo, Caracas. El horario es de miércoles a viernes de 1pm a 5:30pm – sábados y domingos de 12m a 4pm. La entrada es libre.

Para mayor información puede ser solicitada a través de las cuentas de Instagram @benatart /  @39galeria Twitter @39galeria

lunes, 28 de noviembre de 2016

¨Instalaciones Imprevistas¨ del fotógrafo CARLOS GERMÁN ROJAS





La Galería 39 de El Hatillo presenta  la exposición “Instalaciones Imprevistas” del fotógrafo Carlos Germán Rojas.  Dicha muestra forma parte de una serie de exposiciones dedicadas a celebrar sus cuarenta años de vida artística. 

En palabras de Mariela Provenzali, el fotógrafo “en su constante atrapar de imágenes, se atreve a recrear un nuevo instante, acoplando dos momentos que despiertan la curiosidad del espectador”. Agrega Antonio López Ortega, que en la obra de Rojas “hay azar porque el observador puede advertir la similitud entre formas, colores, hábitos u objetos, pero se diría que la coincidencia es premeditada, esto es, hay una mirada, o un lente, o un ojo, que ha querido poner a coincidir esas imágenes, que ha querido provocar una lectura. Y en esa provocación, hay más de azar subjetivo que de objetivo: no le dejamos el juego a los dioses, si se quiere, sino al mortal iluminado que es todo creador”.

Desde 1977 hasta hoy ha realizado más de quince exposiciones individuales en espacios como el Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez, Los Espacios Cálidos del Ateneo de Caracas, el Centro Nacional de Fotografía y diversas galerías privadas.

En el 2004 publicó “Imágenes de la Ceibita”, trabajo que realizó entre 1976 y 1983.

Su trabajo como fotógrafo independiente le ha llevado a realizar trabajos para el Museo de Bellas Artes, el CONAC, el MACSI, el Museo Carlos Cruz Diez y la Galería de Arte Nacional y la Fundación Cisneros durante más de una década.

En 1988 fue galardonado con el  Primer Premio Luis Felipe Toro y en 1981 con el Segundo Premio de Fotografía del CONAC entre otros.

La inauguración será este sábado 3 de diciembre a las 4 pm. En los espacios de la Galería 39 de El Hatillo.

Calle Bolívar con calle Instrucción, Quinta La Casona . # 37. El Hatillo, Caracas.

Instagram:
@39galeria
+58 (212) 961 0023.
www.39galeria.blogspot.com

  
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CARLOS GERMÁN ROJAS: MIRADA BICÉFALA

Los surrealistas postularon el “azar objetivo” como una manera de  descubrir correspondencias azarosas entre dos imágenes, dos palabras o dos ideas creativas. Como buenos juglares, pensaban que la razón no era tan importante como el inconsciente. O mejor dicho, creían que el inconsciente resguardaba una sabiduría superior, una mirada anterior. Si una silla se juntaba con un paraguas, ello respondía a un propósito difícil  de esclarecer, a un designio anterior a la condición humana. El observador intuía que en esa asociación había un hallazgo, un guiño, pero quizás no podía entender por qué.

En “Instalaciones imprevistas”, del fotógrafo Carlos Germán Rojas, el procedimiento difiere ligeramente: hay azar porque el observador puede advertir la similitud entre formas, colores, hábitos u objetos, pero se diría que la coincidencia es premeditada, esto es, hay una mirada, o un lente, o un ojo, que ha querido poner a coincidir esas imágenes, que ha querido provocar una lectura. Y en esa provocación, hay más de azar subjetivo que de objetivo: no le dejamos el juego a los dioses, si se quiere, sino al mortal iluminado que es todo creador.

No se exagera cuando se usa el calificativo de “imprevistas”, que es lo que no se ha previsto, y mucho menos visto. Quizás cuando las imágenes autónomas fueron tomadas, nadie imaginaba que en la mesa de disección del fotógrafo, éstas adquirirían nueva vida, nuevas relaciones. Y a ese juego de resurrección, me parece, es al que invita Carlos Germán Rojas. Las imágenes nos hablan ahora de otra manera: son autónomas, son libres; han huido del referente que las encarcelaba. Estas imágenes tienen brazos, ojos, lunares, apetitos. Una extiende un ramal y toca el cielo, otra se agacha y reconoce su propio ombligo. Reino de la imagen, ante el que nos conviene inclinarnos, como súbditos remotos.

¿Quién mira estas imágenes? ¿Quién las reproduce? ¿Quién las ensambla? No es la mirada poliédrica de una mosca, ni la mirada doble del leopardo, ni la mirada sin colores de un perro. Es más bien la mirada de un ente bicéfalo, que piensa doble, o que piensa con dos cabezas. Cabezas unidas orgánicamente pero a la vez separadas en espíritu, como si respondieran a dos almas gemelas. ¿Invitación a la esquizofrenia? No. Me parece que la invitación es más bien a pensar que la unicidad es engañosa, que la soledad es una noción caduca, que la belleza es inconcebible sin alteridad o reverso. 


     Antonio López Ortega
     (Septiembre, 2012)